Océanos de Fuego

Con la trilogía de "El Señor de los Anillos" oficialmente reconocida como uno de los logros cinematográficos más grandes de los últimos años, industria y fanáticos están pendientes a cual va a ser la próxima jugada de los actores que encarnaron la hermandad fantástica de Tolkien.

Y el estreno de Hidalgo, película que comienza a exhibirse hoy a nivel nacional, marca un buen primer paso para Viggo Mortensen.

Para el actor la selección de este proyecto es arriesgada, considerando que es otro papel de corte heroico en una aventura épica.

Sin embargo, “Hidalgo” es un excelente vehículo para los talentos de Mortensen, intérprete de imponente presencia que siempre sorprende al desnudar el alma de su personaje con una facilidad impresionante.

El filme es lo más cercano, en mucho tiempo, al tipo de diversión que destacó la trilogía de “Indiana Jones”. El director no se conforma con esto y trata de darle peso emocional a lo que es en esencia la relación entre de un hombre y su caballo.

La historia de “Hidalgo”, que adapta eventos verídicos, transcurre en 1890 cuando el viejo oeste y la figura del vaquero son marginados a la mitología norteamericana abriendo paso a la industrialización.

Después de ganar fama junto a su caballo Hidalgo como uno de los mejores jinetes de carreras de larga distancia, Frank Hopkins (Mortensen) se ve relegado como una de las atracciones del infame circo de Buffalo Hill. Hopkins e Hidalgo, que es considerado un caballo inferior por no ser de sangre pura, reciben una oportunidad para rescatar su reputación cuando son invitados a participar en el Océano de Fuego, carrera a través del desierto del Sahara.

La carrera Océano de Fuego se celebra desde hace siglos: consiste en una prueba de supervivencia de cinco mil kilómetros por el desierto de Arabia. Una gran carrera que tan sólo los propietarios de los mejores caballos árabes están en condiciones de disputar.

Un rico jeque invita a participar a un vaquero americano, Frank Hopkins. Frank y su caballo Hidalgo habrán de enfrentarse a los mejores jinetes beduinos del mundo en una carrera que más allá de la prueba se extiende a la propia vida de sus protagonistas.

Tras “El señor de los anillos”, Viggo Mortensen aprovecha su tirón de popularidad y protagoniza “Océanos de fuego”, un relato épico con tintes de western que habla de sacrificio, honor, superación personal y valores positivos que se subliman a través de la mítica competición que da título a la película.

La mezcolanza de géneros está realizada con habilidad y destreza, lo que prueba el talento de Joe Johnston (Jumanji, Jurassik Park III), un artesano en la línea de los que poblaron el Hollywood dorado con tantas películas modestas pero inolvidables.

En realidad ésa es la principal cualidad de “Océanos de Fuego”, ese encanto de un cine perdido, de otra época, pero que mantiene toda su fuerza y esplendor en cuanto está realizado con un mínimo de convicción.

Y junto a Viggo Mortensen, destaca el regreso de Omar Sharif, ese gran actor egipcio que alcanzó su cumbre en los años sesenta con su participación en superproducciones que hicieron historia como “Doctor Zhivago”, “Lawrence de Arabia” o “Genghis Khan”, todas ellas inolvidables y espectaculares.

“Hidalgo” es, hasta el momento, la mejor cinta de aventuras que se ha estrenado en el año.

Nuestra Opinión: @@@

Océanos de fuego
(Hidalgo, Estados Unidos 2004)
Director: Joe Johnston.
Guión: John Fusco.
Con: Viggo Mortensen, Omar Sharif, Zuleikha Robinson, Louise Lombard.
Duración: 136 minutos
Distribución en México: Buena Vista International
Clasificación: @ Insoportable, @@ Regular, @@@ Buena, @@@@ Obra Maestra

Zapata según Arau: un show cómico-mágico-musical

Alfonso Arau lo vino advirtiendo desde antes de la filmación. No íbamos a ver hechos históricos, simplemente la visión personal del realizador de un héroe charro.

La cosa es que se le pasó de “charro” y las consecuencias quedaron plasmadas irremediablemente en 35 milímetros.

Aún así, “Zapata” es una cinta que vale la pena verse.

Imagine una combinación de película de Leslie Nielsen, Matrix y el espíritu Jedi de Star Wars.

¿Grotesco? ¿Delirante?

Depende del lente con el que se quiera ver.

Lo cierto es que “Zapata” está lejos de ser una película de arte y su estilo se acerca más al humor involuntario de cintas protagonizadas por la India María o los hermanos Almada.

“Zapata, El sueño del héroe” es una farsa hecha película actuada por un farsante cantante devenido en actor y dirigida por un farsante director que se tiene a bien considerarse como uno de los mejores en el mundo.

Por lo pronto, Alfonso Arau, delante de todos los medios, con un cinismo o sinceridad descarada, se justificó ante todas las barbaridades que aparecen de principio a fin en “Zapata”.

Para empezar, Arau declaró que su película no busca apegarse a la realidad. Por lo tanto, es producto de una violación a la historia oficial.

"Sé que mucha gente espera un documental histórico, o una telenovela como “Senda de Gloria”, la cinta es una obra dramática clásica, donde al final, matan al héroe.

Es una obra de entretenimiento, no soy un historiador, sino un contador de historias, de alguna manera, lo sé, violamos la historia oficial, pero le he hecho un hijo muy bonito".

Arau ya hubiera querido un producto de la calidad de Senda de Gloria. En “Zapata” a diferencia del esplendor de esa telenovela, se nos presenta un México derruido, donde los presidentes (Porfirio Díaz y Madero) junto con los grandes hacendados de la época vivían y despachaban en edificaciones sin techo, a punto de derrumbarse.

La explicación del director a esta situación fue sencilla pero poco convincente.
"La película está hecha en esas ruinas (la ex hacienda de Coahuixtla, en Morelos); es como si todos estos personajes estuvieran en otra dimensión, se hubieran materializado en el lugar para contarnos su historia, lo que le da a la película un tono muy especial y eminentemente esotérico y espiritual", dijo.
Es decir, todos los defectos habidos y por haber en la película para Alfonso Arau son virtudes o en el mejor de los casos, parte del misticismo que rodeaba al caudillo mexicano.

¿Un Zapata místico?

La película, calificada por Arau como “esotérica-espiritual”, asocia a Zapata con Quetzalcóatl y Cuauhtémoc. El realizador explicó que cuando inició su proyecto no tenía nada como base. Entonces inició un trabajo de investigación y como parte de éste llegó a los chamanes de Morelos, quienes le contaron la historia como él la reproduce en la cinta.

“Para ellos Zapata no fue simplemente un líder revolucionario, fue un guerrero sagrado. Era de alguna manera una visión de Quetzalcóatl, incluso hablan de una reencarnación. Uno puede ser escéptico y creerlo o no creerlo, como puedes creer si Cristo resucitó o no, pero eso existe en la creencia popular. Lo importante de esta película es que a lo largo de estos 500 años después de la conquista, todos los indígenas fueron terriblemente reprimidos y es ahora cuando empieza a resurgir todo el indigenismo mexicano que nos da nuestra verdadera identidad como país.”

Señala que el guión fue hecho con toda intención bajo el rubro de la globalización, pensando en su explotación mundial. "Es un filme de doble sentido, universal temáticamente y local porque tiene la esencia de lo nuestro, de nuestra cultura, narrado a través de iconos, por eso a Zapata se le asocia a Quetzalcóatl".

El filme de Arau no es una súper producción, tampoco tiene ese espíritu épico, inclusive hace notar que a lo largo de toda la trama no hay una sola gota de sangre. “Eso es intencional, nadie me restringió en este sentido. No hay una sola gota de sangre en la película porque yo estoy huyendo de la cuestión sangrienta del cine, pues me parece un recurso barato y además esta es una fábula mística, todo es simbólico.

“Este héroe no dispara nunca y no mata a nadie, porque es un héroe místico”, se justifica el director, quien en todo momento defendió la labor de su protagonista principal.

En “Zapata, el sueño del héroe” se manejan algunas escenas que evocan el estilo de los grandes cineastas del cine mexicano de la época de oro, como “El Indio” Fernández y Gabriel Figueroa. Incluso hay una secuencia (llena de mucho humor involuntario) en la que Zapata le canta a su esposa, que hace recordar al indio Tizoc, de Pedro Infante.

Al respecto, Arau advierte que esto también es intencional en su producción, incluso señala que existe también cierta influencia hollywoodense.

“El cine siempre ha estado totalmente controlado por Hollywood, es absurdo negarlo, todos estamos influidos por él y para entrar al mercado mundial hay que hacer referencia a ello.

Todas las referencias mexicanas son intencionales. Siempre ignoramos al cine mexicano y yo tomé las imágenes de ‘El Indio’ Fernández y de Figueroa con un gran amor. Nos pertenecen, lo heredamos. Hay imágenes precisas del cine mexicano porque es nuestra cultura. Yo creo que esta es la cinta más mexicana que he hecho y al mismo tiempo es global”.

Luego de escuchar al propio Arau describir y justificar su película, el lector no puede hacerse otra imagen en la cabeza que la de un Zapata chafa y charro.

Un Zapata revolucionario que no dispara ni una bala, pero que le canta dulces cancioncitas de amor al oído de su quelite, un Zapata al que según no le hacen daño las balas pero que al final termina acribillado por ellas, un Zapata que se fusila elementos de otras películas en pro del arte, un Zapata que asesorado por una chamana (mitad Yoda, mitad Serafín) le enseña a teletransportarse para que en el momento en que lo necesita deje los conocimientos de lado, un Zapata que nos tenemos que soplar sólo por que Arau dice que tenemos la obligación de apoyar al cine mexicano ( se le olvidó decir que al bueno, no al malo).

Vamos, en síntesis, tenemos un Zapata bueno para nada.

Lo que filmó Arau es una especie de video-rola, pedazos filmados a lo burro, sin ninguna coherencia.

La película se llama “Zapata: El sueño del héroe” aunque nunca vemos aparecer al mítico héroe, porque precisamente como el título lo dice, estamos presenciando uno de sus sueños con olor a pesadilla, alguno de tantos que habrá tenido allá en el campo, antes de entrar en batalla.

Nuestra Opinión: @/12

Zapata, El sueño del héroe
(México-España 2003)
Dirección y guión: Alfonso Arau
Con: Alejandro Fernández, Patricia Velásquez, Lucero, Jesús Ochoa, Jaime Camil, Soledad Ruíz.
Duración: 120 minutos
Distribución en México: Videocine
Clasificación: @ Insoportable, @@ Regular, @@@ Buena, @@@@ Obra Maestra

La ventana secreta

Parece que el guionista y director David Koepp siente una especial fascinación por las historias inquietantes en espacios reducidos (“La ventana secreta” transcurre casi enteramente en el interior de una cabaña y sus alrededores).

Koepp ha escrito guiones tan ingeniosos y contrastantes entre sí como los de “La habitación del pánico”, "Atrapado por su pasado", "Spiderman", o "Misión imposible". Como director ha experimentado cierto éxito con “El efecto dominó” y “Ecos Mortales”, otra muestra del cine de suspenso.

Ahora centra su atención en un relato de Stephen King.

Johnny Depp es un escritor sumido en una depresión tras un divorcio, tan bloqueado mentalmente como Jack Nicholson en “El resplandor”, e igualmente aislado en un paraje natural, en este caso una cabaña en el bosque, a la que se ha retirado para intentar escribir una nueva novela.

Hasta allí llega un extraño personaje, al que da vida John Turturro, quien llega a su puerta acusándole de haber plagiado una obra suya. Al principio, todo hace pensar que se trata de un maniático más, uno de esos que se acercan a una celebridad con alguna locura en la cabeza.

Y parece que será fácil demostrarle a este chiflado la falsedad de su acusación.

A partir de ahí, David Koepp pone en marcha un mecanismo de falsas apariencias, desconcertando al espectador a medida que avanza la intriga, introduciendo personajes que complican aún más la trama: su exesposa, el amante de su ex, su abogado, el sheriff del pueblo, y consigue el objetivo: que el público no sepa con qué carta quedarse.

Lo que parecía un simple duelo psicológico y terrorífico entre el escritor y su hostigador se convierte en algo más complicado, con varias opciones que incluyen la posibilidad de una conspiración para volver loco al protagonista.

El relato de King guarda algunas similitudes con otras obras suyas anteriores, no sólo con el bloqueo y el aislamiento del Jack Torrance de “El resplandor”. La cabaña y su entorno también recuerdan bastante a “Misery”, y en cierta forma, el personaje que interpreta Johnny Depp también se encuentra retenido a merced de un psicópata.

La delgada línea entre la ficción y la realidad es una de las eternas obsesiones de Stephen King.

Convertir la misma historia en una película era un reto difícil, ya que el director debe mostrar las imágenes tal como son, sin poder apelar a los mismos trucos literarios de King.

Sabiendo esto, Koepp potenció al máximo el talento de Depp y Turturro, y casi cuando su duelo no da para más en el terreno de lo realista, muestra el truco del relato original dando paso a un show pensado a la medida del histrionismo desencadenado del Depp menos sobrio y moderado, aplicándole una agradecida dosis de humor negro a una historia que por momentos amenazaba no atreverse a abandonar ciertos límites de sobriedad y melancolía casi abusivos.

Koepp no logró un clásico, pero sí un producto sólido, con dos o tres hallazgos formales destacables, buena música de Philip Glass y más de un par de toques siniestros que ningún fan del psycho-thriller puede despreciar.

No podemos dejar de mencionar el guiño que el argumento tiene con cierta película de David Fincher, lo cual podría echar a perder la sorpresa a uno que otro cinéfilo, pero paradójicamente, “La ventana secreta” es una de esas historias con las que puedes jugar a adivinar cuál es el meollo del asunto, y de la que puedes esperar un final sorpresa.

El director juega bien con los elementos del relato de Stephen King, sabe enganchar desde el principio y mantener el interés hasta el final. Aunque no podamos hablar de una gran película de terror, la cinta sí consigue entretener y proporcionar a lo largo de su recurrido, tensión e intriga en el espectador.

Nuestra Opinión: @@@

La ventana secreta
(Secret Window, Estados Unidos 2004)
Director: David Koepp
Guión: David Koepp, basado en la novela homónima de Stephen King
Con: Johnny Depp, John Turturro, María Bello, Timothy Hutton,
Duración: 96 minutos
Distribución en México: Columbia Pictures
Fecha de Estreno: 23 abril
Clasificación: @ Insoportable, @@ Regular, @@@ Buena, @@@@ Obra Maestra.

Un vaquero justiciero

Viggo Mortensen es de los actores que sin importar el lugar donde se encuentre, no pierde la oportunidad de expresar su sentir respecto al presidente de su país, el señor George Bush.

Y en su segunda visita a México en menos de seis meses, no fue la excepción.

"Hay problemas enormes como la pérdida de tres millones de empleos, desde cuando ganó... cuando se robó el puesto de presidente”. Mortensen, además, señaló que no reconoce la investidura de Bush.

“Para arreglar los problemas que tiene mi país, que ha hecho este hombre, van a pasar muchas generaciones", observó el actor.

Viggo, a pesar de tener millones de fanáticas, también se ha convertido en un símbolo sexual de la comunidad gay.

Reconoció que su postura hacia este tipo de público es neutral y no puede opinar más allá de lo que no sabe.

Pero no dejó pasar la ocasión para criticar la fuerte oposición en Estados Unidos al matrimonio entre personas del mismo sexo y a la política del presidente Bush sobre el tema.

"Bush, o los que están encargados de hacerle publicidad y darle temas para hablar, como a él no se le ocurren muchas cosas para decir solito, pensaron en eso como distracción interesante y así acorralar los votos de conservadores religiosos de allá", dijo Mortensen.

El actor visitó nuestro país con motivo de la promoción de “Oceanos de Fuego” (Hidalgo, su título original) que protagoniza al lado de Omar Sharif.

La cinta fue filmada bajo condiciones fuera de lo normal, puesto que a mitad de la filmación ocurrió la invasión a Irak por parte de Estados Unidos.

Curiosamente, el filme habla sobre un héroe norteamericano que va a retar a los árabes en su propio terreno.

El también poeta y pintor cuenta como fue filmar teniendo la guerra tan cerca.”Era obvio cuando estábamos en Marruecos que la invasión iba a suceder. Fue claro para nosotros y también para ellos (los musulmanes involucrados en el proyecto). No me hubiese sorprendido si nos hubiésemos tropezado con una suerte de 'animosidad universal'. Lejos de eso lo que me encontré, casi siempre, era gente interesada en la cultura de nuestro país, en la idea de la democracia representativa y esas cosas. Se entendía claramente que esto era un film de aventuras cuya trama ocurre en el siglo XIX, que nada tiene que ver con los hechos políticos de la actualidad y que no puedes culpar a cada estadounidense por lo que pudiera pasar. A veces me decían: 'Me gusta su país, lo que no entiendo es por qué no pueden controlar a su gobierno', lo que era comprensible".

“Oceanos de fuego” es una producción la cual tardó 15 años en desarrollarse, se basa en las aventuras que tuvo un vaquero de la vida real llamado Frank Hopkins y la estrecha relación de su caballo “Hidalgo”, donde ambos viajan al Oriente para participar en una carrera de supervivencia de 5000 mil kilómetros a lo largo del desierto Arábigo.

“Es una película diferente pero al estilo clásico de Hollywood, es subversivo, interesante y positivo, pero también retoma la imagen del vaquero de los años 50 para transformar ese humor seco, individualista, intolerante y terco a uno más humano, abierto y dispuesto a respetar las diferentes culturas”, aseguró el actor quien interpretó a Aragorn, en la saga de “El Señor de los Anillos”.

Mortensen no tiene ningún problema sobre el trasfondo político o religioso que algunos malpensados podrían desprender del film respecto a la situación mundial que se vive en estos días.

"Hidalgo es, como El señor de los anillos, una historia acerca del auto sacrificio, la amistad, el amor, la compasión hacia otros y de cómo encontrar un origen compartido. Esos son los valores que subyacen en la película. Y las reacciones, hasta ahora, de hombres, mujeres, jóvenes, viejos, musulmanes, cristianos, han sido unánimemente positivas". Tiene razón: no hay que buscarle una quinta pata a este arrojado corcel.

“Océano de Fuego” es dirigida por Joe Johnston, quien ha tenido a su cargo cintas como “Jurassic Park III” y “Jumanji”, lo cual garantiza de entrada, una película entretenida y sumamente palomera.

OBSESIONES EN CORTO

No sé que haya sido más vergonzoso. La mordida que sufrió de parte de uno de nuestros amables y eficientes agentes de tránsito o el que Viggo Mortensen se haya quejado amargamente con Andrea Legarreta y Ernesto Laguardia en el programa de denuncia social “Hoy”. *** Luego de muchos meses de dimes y diretes y ansiosa espera, por fin los amantes del séptimo arte podremos disfrutar de “Zapata”, excelsa cinta de Alfonso Arau, donde seguramente seremos deleitados por las inolvidables caracterizaciones de histriones de la talla de Alejandro Fernández, Jaime Camil y Lucero (ya sin guarura). El lunes, los miembros de la prensa seremos los primeros en poder destrozar, perdón, admirar semejante obra de arte para posteriormente asistir a la conferencia con los integrantes del sensacional elenco y su director de orquesta, el inigualable maestro del chasco, Alfonso Arau. *** Los patos emigran a Cannes. La ópera prima de Fernando Eimbcke que arrasó en la Muestra de Guadalajara y dejara buen sabor de boca entre el público, formará parte de la Semana de la Crítica, una de las secciones paralelas más importantes del Festival de Cannes donde se exhiben los trabajos de los noveles realizadores. Ahí ganó González Iñárritu con “Amores Perros”. “Temporada de Patos” se merece eso y más.*

Gael va a Cannes

Si no pueden acompañar a Eugenio Derbez o al niño Gael en Cannes, no se preocupen.

Troya, La mala educación, Kill bill 2, Shrek y lo ultimo de los hermanos Coen se andará exhibiendo en tierras aztecas entre mayo y junio.

El resto de las movies, sobre todo de directores como Emir Kusturica, Walter Salles, Lucrecia Martel, Wong Kar-Wai, Abbas Kiarostami o Zhang Yimou, seguramente formaran parte del escaparate cinematográfico mexicano como la muestra internacional, el foro de la cineteca, el festival de cine contemporáneo, las secciones alternas del morelia film fest o la próxima muestra de guadalajara, si es que antes alguna distribuidora se pone las pilas y las saca a cartelera.

Habrá entonces que estar atentos a las cintas que conmocionen a los cinéfilos reunidos en la rivera francesa, que no necesariamente llegan a ser las que se llevan algún palmarés.

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Gael Busca las Palmas

El actor participa en dos cintas internacionales, una de las cuales es sobre la vida del famoso guerrillero El Che Guevara, y que es fuerte favorita a ganar el famoso concurso cinematográfico.

Gael García Bernal será una de las estrellas presentes en la 57 edición del Festival de Cine de Cannes, que se celebrará entre los próximos 12 y 23 de mayo, anunció la organización del certamen.

El actor mexicano subirá el día de la inauguración del festival, el 12 de mayo, la famosa escalera roja del Palacio de Festivales acompañado del director español Pedro Almodóvar y otros componentes de la película La mala educación.

Es la primera vez que el protagonista de La mala educación, el más reciente filme de Pedro Almodóvar que se proyectará en la ceremonia de apertura del día 12, asiste al festival de la Costa Azul, considerado el más importante del mundo.

Gael actúa también en otro largometraje que se presentará en el Festival de Cannes, interpretando el papel del El Che Guevara en la cinta Diarios de motocicleta, del director brasileño Walter Salles y que concursa por la Palma de Oro.

García Bernal, quien habla francés con corrección, es uno de los actores mexicanos más conocidos en Francia, donde estrenó hace un mes El punto sobre la i, por su papel en Amores perros y en Y tu mamá también.

Diarios de motocicleta, del director brasileño Walter Salles y protagonizada por Gael García Bernal, trata sobre la travesía que hizo Ernesto “El Che” Guevara por América Latina, antes de que se convirtiera en guerrillero.

El actor y director Robert Redford, que fue el productor de la cinta, la presentó en enero a la familia de Guevara en Cuba, después que fuera acogida por la crítica y el público en el Festival de Sundance.

La película ha sido considerada accesible, incluso para aquellos que no comulgan con las ideas políticas del guerrillero. Muestra el rostro humano de El Che y un amigo suyo que hicieron la singular travesía a comienzos de la década de los 50.

El filme del director español Pedro Almodóvar La mala educación inaugurará el festival el 12 de mayo.

La nueva cinta de Almodóvar, actualmente en proceso de posproducción, también tiene como protagonista a García Bernal. Narra la historia de dos niños y un sacerdote de una escuela católica española en los años 60, que se vuelven a encontrar 10 años después.

Además de García, confirmaron su presencia otras estrellas de la gran pantalla, que harán que la 57 edición de este festival tenga un alto nivel de glamour.

Entre los artistas que confirmaron su asistencia se encuentran Brad Pitt, Penélope Cruz, Tom Hanks, Naomi Watts, Sean Penn, Eddy Murphy, Emily Watson, Ashley Judd, Nick Nolte, Vincent Pérez, Uma Thurman y Charlize Theron.

El presidente del jurado de este año será el director estadunidense Quentin Tarantino, quien obtuvo en 1994 la Palma de Oro por Pulp Fiction y que presentará durante el festival Kill Bill 2 aunque fuera de competición.

En el jurado figuran también la actriz francesa Emmanuelle Beart y la estadunidense Kathelen Turner.

Las 18 cintas que competirán por la Palma de Oro son:

• Clean, de Olivier Assayas (Francia)
• Como una imagen, de Agnès Jaoui (Francia)
• Exilios, de Tony Gatlif (Francia)
• Los asesinos de mujeres, de Joel y Ethan Coen (Estados Unidos)
• Shrek-2, de Andrew Adamson, Kelly Asbury y Conrad Vernon (Estados Unidos)
• Diarios de motocicleta, de Walter Salles (Brasil)
• La vida es un milagro, de Emir Kusturica (Bosnia)
• 2046, de Wong Kar-Wai (Hong Kong-China)
• La vida y la muerte de Peter Sellers , de Stephen Hopkins (Gran Bretaña)
• La niña santa, de Lucrecia Martel (Argentina)
• La mujer es el futuro del hombre, de Hong Sang Soo (Corea del Sur)
• Fahrenheit 9/11, de Michael Moore (Estados Unidos)
• Nadie sabe, de Kore-Eda Hirokazu (Japón)
• Inocencia, de Oshii Mamoru (Japón)
• Chico viejo, de Park Chan-Wook (Corea del Sur)
• Las consecuencias del amor, de Paolo Sorrentino (Italia)
• Enfermedad tropical, de Apichatpong Weerasethakul (Tailandia)
• Edukators, de Hans Weingartner (Austria/Alemania).

Fuera de competencia:

• La mala educación, de Pedro Almodóvar, España (inauguración)
• Troy, de Wolfgang Petersen, Alemania.
• Cineastes a Tout Prix, de Frederic Sojcher, Bélgica
• Salvador Allende, de Patricio Guzmán, Chile
• Flying Daggers, de Zhang Yimou, China
• De-Lovely, de Irwin Winkler, EEUU
• Bad Santa, de Terry Zwigoff, EEUU
• Dawn of the Dead, de Zack Snyder, EEUU
• Kill Bill Vol. 2, de Quentin Tarantino, EEUU
• La Porte du Soleil, de Yousry Nasrallah, Egipto
• Mondovino, de Jonathan Nossiter, EEUU
• 10e Chambre Instants d'Audience de Raymond Depardon, Francia
• Notre Musique, de Jean-Luc Godard, Francia
• Five, de Abbas Kiarostami, Irán.

Correspondencia con esta festivalera columna:

obsesionesmx@yahoo.com.mx

La calle de las tentaciones

Ha llegado a la cartelera otro buen exponente del cine alternativo norteamericano: se trata de "Laurel Canyon", segundo largometraje de la directora Lisa Cholodenko.

Tras su debut con el pie derecho en 1998 con "High Art", multipremiada opera prima, esta realizadora de 39 años incursionó en la televisión dirigiendo episodios de cotizadas series como "Homicide" y "Six Feet Under" hasta llegar a "Laurel Canyon".

Laurel Canyon, una calle que atraviesa el corazón de Hollywood Hills, ha sido durante décadas el hogar de muchos músicos, actores, artistas entre otra gente y precisamente en esta atmósfera de bohemia cachondez es donde se desenvuelve la cinta.

Con un gran elenco encabezado por Frances McDormand Christian Bale, Kate Beckinsale, Natascha McElhone y Alessandro Nivola, la película se centra en la conflictiva relación madre-hijo entre una ex hippie devenida en productora discográfica (McDormand), que se encuentra grabando en su estudio casero el álbum de su novio rockero (Nivola), y un joven médico (Bale) que llega a la paradisíaca casa materna con su esposa bióloga (Beckinsale). Las tensiones entre una madre libertina y afecta a los excesos y un hijo conservador son el eje de un largometraje desprejuiciado y provocativo.

El choque generacional y de intereses se puede convertir en un conflicto moral, si no se está seguro de lo que se busca o se quiere.

Sin caer en los estudios psicológicos, pero con menos profundidad de lo que podría esperarse, el filme coloca varios cuestionamientos sobre la mesa.

Presenta una variedad de matices y de observaciones ácidas (sobre las relaciones de pareja, el choque entre mundos diferentes, sobre la frivolidad y el rock and roll).

Y es que el filme es un melodrama que se dedica a examinar y confrontar las vidas de un grupo de personas de clase media alta, dejando expuestos sus amoríos, engaños, y su eterna desilusión ante una vida muy distinta a lo que esperaban.

Si algo funciona en "La Calle de las Tentaciones" son precisamente sus personajes, gracias al muy bien seleccionado elenco, especialmente las mujeres, quienes cargan con el peso emocional de la cinta.

Kate Beckinsale ha destacado más por su atractivo físico que por su talento histriónico, pero su trabajo en "La Calle de las Tentaciones " (al igual que en "Underworld", actualmente en cartelera) promete mucho, si logra deshacerse del estigma de cara bonita.

Natascha McElhone, siempre enigmática, exagera su acento de una chica israelita para crear un personaje superficialmente agresivo pero vulnerable en su interior.

Sin embargo, quien se lleva las palmas (raro que no fuera así) es Frances McDormand, en uno de sus camaleónicos personajes que la transforman radicalmente de película a película, pero manteniendo intactos el carisma, intensidad y talento que la caracterizan. Basta con comparar su personaje en esta cinta con su total opuesto en "Almost Famous".

El excelente desempeño de la McDormand es razón más que suficiente para ver "La Calle de las Tentaciones".

Nuestra Opinión: @@1/2

La calle de las tentaciones
(Laurel Canyon, Estados Unidos 2002)
Dirección y guión: Lisa Cholodenko
Con: Frances McDormand, Christian Bale, Kate Beckinsale, Natascha McElhone, Alessandro Nivola
Duración: 103 minutos
Distribución en México: Columbia Pictures/Sony Pictures Classics
Clasificación: @ Insoportable, @@ Regular, @@@ Buena, @@@@ Obra Maestra.

Criaturas de Inframundo

Es curioso que la mayoría de los directores debutantes que comienzan con películas de acción vengan de la misma escuela, la de los comerciales televisivos y el videoclip. Len Wiseman no se escapa de este grupo, pero cuenta con cierta experiencia en el cine al haber sido parte del equipo de producción de películas como “Independence Day” o “Stargate”.

“Underworld” nos habla de una guerra que se libra en las sombras de la noche. Dos razas luchan desde hace siglos para acabar con la especie enemiga. De un lado los salvajes hombres-lobo, del otro, los sofisticados vampiros.

Selene (Kate Beckinsale) es una vampira guerrera que vigila de cerca a Michael (Scott Speedman), un joven humano, al que han intentado secuestrar los feroces Lycans. Los caminos de Michael y Selena se van a cruzar en esta guerra que parece no tener ni buenos ni malos, y sobre todo, parece no tener fin.

Para ser sinceros, tenemos que admitir que era una cinta que veníamos esperando desde hace unos meses. Llegado el momento, acudimos al cine sabiendo con lo que nos toparíamos: una película para pasar el rato, que es lo que buscaba en ese momento. Aunque el guión me pareció bastante tosco, la fotografía y ambientación fueron acertadas.

Pero claro, cuando se busca algo palomero, ¿a quién le preocupa la historia o el guión?

La película se apuntala en una serie de escenas que intentan ser espectaculares, y en esa estética tan oscura que últimamente se repite por todas partes.

Todo son tonos fríos, imaginería neo–barroca, abrigos de cuero negro, gafas de
sol, parafernalia paramilitar (unas indumentarias, a mi entender, totalmente confusas, ya que en algunos enfrentamientos no tenía claro quiénes eran vampiros y quiénes licántropos). Todo ello tratado con las herramientas imprescindibles para cualquier película de acción actual: millones de disparos (a cámara lenta), saltos imposibles (a cámara lenta), intensas miradas a la cámara (a cámara lenta).

El parecido con otras producciones (Matrix, Batman, Blade o alguna de las secuelas de Alien) es evidente en la ambientación, las peleas o las evolucionadas armas. La historia también se repite con personajes habituales en el cine de ciencia-ficción como "el descendiente de sangre pura" que para variar es el elegido o enviado.

A quienes seguramente escandalizará el concepto de “Underworld” es a la banda dark y demás seguidores de los vampiros, quienes podrían tomar la propuesta cinematográfica como una falta de respeto. Veamos porqué.

Esta cinta nos presenta a los chupadores de sangre con características a las que no estamos acostumbrados.

Para empezar, una parte importante del vampiro es la sed de sangre. Nada de eso aparece en el filme. No vemos alimentarse a los vampiros, nadie muerde a nadie en el cuello (salvo al final). Los vampiros parecen vivir muy felices tomando sangre clonada, y parece haber algún tipo de ley que les prohíbe alimentarse de humanos.

¿En que gastan los vampiros su inmortalidad? Parece que en nada. Mientras la protagonista entra y sale de la mansión donde aparentemente viven los vampiros, vemos a un montón de ellos sentados charlando. No parecen tener mas interés que la charla amigable y para algunos (la protagonista y otros) exterminar hombres lobo.

Otro de los detalles que no se explica del todo en "Underworld" es referente al nacimiento o transformación de un humano en vampiro. En muchas películas se nos enseña que el vampiro se crea de cualquiera que haya sido mordido por uno de estos seres, en otras se exige algo más, como que el vampiro da una parte de su sangre al humano para convertirlo. Aquí, ni una cosa ni la otra, dado que los vampiros son portadores de un "virus" suele matar a la persona que es mordida, salvo en algunos casos que supongo que no se podrán conocer a priori. Con lo cual es difícil convertir a una persona especifica en vampiro.

Finalmente, no me entra en la cabeza que un vampiro respire como si tuviera asma, se desmaye por la perdida de sangre, que un vampiro se ahogue o que ¡un hombre lobo puede dejar embarazada a una vampira!

Fuera de estos inusuales detallitos, el filme está dirigido con suma corrección por Len Wiseman, sobre todo en las escenas de acción. Quizá si se hubiese arriesgado un poco más en la puesta en escena la película habría ganado puntos, aunque también es posible que hubiese salido mal parada y el director, haciendo honor a su apellido (Wise man = hombre sabio) haya optado por no arriesgar demasiado. Ya habrá tiempo para ello en las secuelas.

Nuestra Opinión: @@1/2

Inframundo
(Underworld, Estados Unidos - Alemania – Hungría - Reino Unido, 2003)
Director: Len Wiseman
Con: Kate Beckinsale, Scott Speedman, Shane Brody, Michael Sheen, Bill Nighy
Duración: 121 minutos
Distribución en México: 20th Century Fox
Clasificación: @ Insoportable, @@ Regular, @@@ Buena, @@@@ Obra Maestra

Momentos de perdón

“Momentos de Perdón” es un excelente ejemplo del verdadero cine independiente norteamericano: una historia pequeña, íntima, de escaso presupuesto, carente de super estrellas, con algunos cuestionamientos al sistema de vida estadounidense.

La cinta tiene dos líneas narrativas que al final se unen.

Por un lado, una chica haciendo circo maroma y teatro para poder cocinar un pavo para la cena de acción de gracias, por el otro, una familia que hace un recorrido de Pennsylvania a Nueva York para asistir a dicha cena.

April (Katie Holmes) es una chica punky rebelde, la oveja negra de la familia, que vive en un destartalado apartamento con su novio de color.

Gracias a un ataque impulsivo que aún no comprende del todo, decide reunir a su familia convencional y provinciana en su derruido departamento neoyorquino.

Lamentablemente, April no tiene mucho conocimiento de las artes culinarias, vamos, ni siquiera sabe agarrar un cuchillo. Por si esto fuera poco, pronto descubre con horror que el horno (que hasta ahora utilizaba para guardar cosas) está completamente roto.

Al borde de la desesperación, comienza angustiosamente a tocar puertas por todo el bloque de apartamentos, buscando de algún vecino que le preste su estufa para hornear su pavo, en una carrera contra el tiempo.

La ocasión es algo especial, pues tal vez esta sea la última vez que estén reunidos, pues su madre sufre un cáncer terminal, y April ve este momento como la inmejorable oportunidad de una reconciliación familiar.

La vagoneta donde viajan estos personajes es en sí un divertido circo: una abuela con alzheimer, una adolescente incomprendida, el hijo fotógrafo oficial de la familia y “dealer” de la madre, un padre (Oliver Platt genial como siempre) que busca ser el conciliador entre todos estos personajes y Joy, una madre que no pierde la oportunidad de atascarse de donas y dulces, aventarse un buen porro para disfrutar del camino, además de hacerle la vida de cuadritos a Beth, su hija.

El camino entre la casa de los Burns y Nueva York se convierte en un viaje alucinante. Y es que Joy, a pesar de su frágil estado de salud, es una madre que no cesa de ejercitar sus ácidos comentarios sobre cada situación que se le presenta.

Patricia Clarkson una vez más demuestra su adaptabilidad para cualquier papel. Con más de cuarenta años, Clarkson está atravesando el momento más alto de su carrera, que inició en “Los intocables”, como la esposa de Elliott Ness.

Recientemente la hemos visto en “Vidas en Común” y “Dogville”. En “Pieces Of April” Patricia Clarkson se roba la pantalla cada vez que aparece, haciendo que su nominación al Oscar como Mejor actriz de reparto le quedara chica, muy chica.

A pesar de que el filme parte de un hecho relacionado con una celebración típicamente americana, el día de acción de gracias, las diferencias familiares que pueden terminar en desastre son un tema universal con el que todos podemos sentirnos identificados.

El melodrama tiene momentos brillantes, manejando un humor corrosivo aderezado de un pesimismo inteligente.

Nuestra Opinión: @@@1/2

Momentos de Perdón
(Pieces of April, Estados Unidos 2003)
Dirección y guión: Peter Hedges
Con: Katie Holmes, Patricia Clarkson, Oliver Platt, Sean Hayes, Derek Luke, Alison Pill.
Duración: 80 minutos
Distribución en México: Arthaus Films
Clasificación: @ Insoportable, @@ Regular, @@@ Buena, @@@@ Obra Maestra

Carmen Electra: de salvavidas a porrista

Lunes por la mañana. Dos visiones celestiales. Los rayos del sol iluminando la silueta de la Diana Cazadora. Las cámaras de los fotógrafos dándole un resplandor especial a la belleza de Carmen Electra.

Ojalá todos los inicios de semana fueran así.

Los medios de comunicación fuimos convocados en un hotel, muy cerquita de la fuente de la Diana Cazadora, para atender la conferencia que daría Carmen Electra como parte de la promoción de la cinta “Starsky and Hutch" que se estrena este viernes a nivel nacional.

No importaba mucho que la participación de la ex baywatch en la película fuera muy breve o que tuviera pocas cosas interesantes que decir.

Para qué hacernos tontos, lo que importaba era darse un rico taco de ojo.

Carmen Electra se comportó muy accesible con los reporteros, algo imposible de haber visto hace unos años cuando era una inalcanzable sex symbol. Tanto éxito le hizo perder piso de fea manera; como ella lo ha dicho en varias ocasiones, la vida se ha encargado de hacerla una chica sencilla.

Luego de varias apariciones en Playboy y de su estelar en “Guardianes de la Bahía”, Carmen Electra busca recuperar la fama que alguna vez tuvo. Por ello aceptó un pequeño papel en “Starsky & Hutch” donde interpreta a una porrista de Bay City que colabora con esta legendaria pareja de policías secretos consagrados en la exitosa serie televisiva de los 70 y que ahora cobran vida en la piel de Ben Stiller y Owen Wilson.

La guapa actriz que tenía embelezados a los hombres en el salón donde se desarrollaba la charla, platicó que su interés en participar en la cinta surgió en el momento que leyó el guión. "Desde el inicio del proyecto tuve un buen sentimiento para hacer este filme, ya que había mucha fe y confianza de todos, además fue una grata experiencia trabajar con Ben y Owen, lo mismo que con el director Todd Phillips".

Carmen confiesa con cierta pena no conocer mucho sobre el programa, aunque le gustó mucho la adaptación fílmica de la serie setentera "tiene varias acotaciones de aquellos años, el soundtrack está compuesto por temas de los 70. Hay muchos otros aspectos de la manera de vivir de la época, como cierta indumentaria que los actores usamos".

Una de las escenas llamativas de la cinta es cuando su personaje besa a otra mujer (la guapa Amy Smart) , por lo que se le cuestionó sobre si esto ya se había convertido en una moda o en una necesidad para llamar la atención, a lo cual respondió: “Definitivamente es una moda que las chicas se estén besando hoy en día en las películas, creo que todo empezó con el grupo Tatu, después vino el famosísimo beso de tres entre Madonna, Britney Spears y Christina Aguilera y se ha vuelto algo increíblemente popular. Por eso nosotros pensamos en hacerlo en la película, porque es algo que está tan mal en Estados Unidos, que por eso nos divirtió y pensamos hacerlo”.

Una buena noticia para todos los admiradores de esta escultural mujer es que dejó abierta la posibilidad de volver a posar desnuda. “He posado para Playboy por 4 ocasiones, creo que ya soy parte de la revista, ha sido divertido y claro que lo volvería a hacer, ¿por qué no?”.

La modelo y actriz nacida en 1972, tiene varios proyectos e ideas para poner en práctica. “Me gustaría hacer un trabajo diferente, hacer un crossover, tener mi propia línea de ropa, he estado haciendo videos de ejercicios, en este momento tengo uno de striptease aeróbico, pues yo creo que mi principal anhelo es tener un bebé, estoy emocionada de tener mi propia familia”.

La visita de la conejita a nuestro país fue de entrada por salida, pues tiene varios compromisos que cumplir en Los Ángeles. No obstante, pronto tendremos noticias de ella. "Próximamente verán en México (a través de MTV) mi nuevo reality show que se llama “Hasta que la muerte nos separe”, donde las cámaras filmarán toda mi boda con Dave Navarro (guitarrista de Jane's Addiction), desde los preparativos, hasta la fiesta, que espero sea muy divertida y les guste".

OBSESIONES EN CORTO

Tara Leigh Patrick alias Carmen Electra, es un ejemplo sobre lo que no se debe hacer para muchas estrellitas que andan mareadas por la fama. Llegó a ser una bomba sexual a mediados de la década pasada, luego su vida privada y profesional se vino a pique. Tuvo una fallida relación con el excéntrico basquetbolista Dennis Rodman, posteriormente un problema con las drogas la dejó fuera de la jugada. Ahora Carmen Electra no busca otra cosa que pasársela bien y ser feliz. *** Por cierto, “Starsky & Hutch” resultó ser una agradable sorpresa. Una cinta palomera que gustará a los fans de la serie y la oportunidad familiarizar a los más jóvenes con las aventuras de esta peculiar pareja de policías. *** Los golpes de pecho del sector conservador siguen haciendo de las suyas en el “país de las libertades”. La víctima en esta ocasión es Limited Brands, empresa propietaria de la marca Victoria's Secret, quien tuvo que cancelar su pasarela anual por televisión debido a la reciente ofensiva gubernamental en pro de la decencia. Desde hace algunos años, Victoria´s Secret transmitía por estas fechas una pasarela con el nuevo catálogo de lencería. Ahora solo falta que la liga de la decencia también le exija a ABC y ESPN que dejen de transmitir los especiales de porristas y trajes de baño y en su lugar pongan programas de Billy Graham. ¡Señor, ábreles los ojos! *** En nuestro viaje a la costa chica oaxaqueña tuvimos la oportunidad de observar muchas cosas. Mujeres con reveladores bikinis, mejor aún, bellas mujeres en traje de Eva, liberación de cientos de tortuguitas laud, entre otras linduras. Pero lo que más nos llamó la atención fue la sed, la ansiedad de algunas personas por ver cine. Y es que pasando Acapulco y aún después de la frontera con Guatemala, a lo largo de esa franja costera de miles de kilómetros (ni hablar de zonas aledañas) no hay una sola sala de cine. Hay cosas interesantes que comentar al respecto.*

Arieles sin brillo

El martes por la noche se entregaron los Arieles.

Si a la Muestra de Guadalajara acudió la segunda plana del cine mexicano, en Bellas Artes la cosa estuvo igual de deprimente.

Una ceremonia gris, enmarcada por una fría y lluviosa noche.

La cereza en este desastre la puso la propia Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematográficas al regalar estatuillas al por mayor en algunos empates que dejaron mucho que desear.

Se quisieron ver “cuates” y lo único que terminaron por hacer fue partirle la mandarina en gajitos a un evento que pasa inadvertido en los medios y al que francamente no le importa a nadie.

La ganadora de la noche fue “Nicotina” con seis estatuillas entre ellas las que destacan Mejor Actor (Rafael Inclán) y Actriz (Rosa María Bianchi) y Mejor Coactuación Masculina (Daniel Giménez Cacho), seguida de “Zurdo” con cuatro.

Mientras tanto, el Mejor Largometraje documental fue para “La Canción del Pulque” de Everardo González, mientras que en la categoría de Mejor Documental fue premiado “Lo que Quedó de Pancho” de Amir Galván.

”Japón” fue condecorada como Mejor Ópera Prima, mientras que el corto “Los No Invitados” de Ernesto Contreras, ganó el Mejor Cortometraje de Ficción.

Los “regalos” ocurrieron en las categorías de: Mejor Música Compuesta para Cine (“Vera” y “Zurdo”), Mejor Guión Original (“Nicotina” y “Japón”) y un triple empate en Mejor Sonido (“Mil nubes de paz cercan el cielo”, “Nicotina” y “Zurdo”).

Pero lo bueno no queda ahí. Nuestros académicos tuvieron la excelente puntada de regalarle a “El misterio del Trinidad” los Arieles de Mejor Película y Mejor Director. ¿Cómo la ven?

Si en España, la gente no se explicaba cómo rayos quedó en la terna del Goya como Mejor Cinta extranjera, puesto que la consideraban terriblemente lenta y aburrida, la noche del martes nomás faltó que le entregaran el premio de mejor actor a Eduardo Palomo.

Es cierto que en gustos se rompen géneros y es cierto también que no había mucho para premiar en los Arieles, pero con esos premios, ¿Cómo confiar en la máxima entrega de reconocimientos al cine mexicano y no pensar que hubo mano negra?

Las ocurrencias no pararon ahí.

Diana Bracho, presidenta de la Academia, anunció con bombo y platillo un acuerdo de colaboración académico entre el organismo que dirige y la Universidad Nacional Autónoma de México con la cual se desarrollarán la investigación, promoción, difusión y defensa del cine.

Tal vez ese acuerdo sea para darle un poco de vida a la susodicha Academia, porque la UNAM no lo necesita. La investigación, promoción, difusión y conservación del cine lo viene haciendo exitosamente desde hace varias décadas por medio de la Filmoteca y el CUEC.

Si la Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematográficas va a financiar (¿de donde?) y apoyar los proyectos de largometrajes de cineastas del CUEC, perfecto, de otra manera dicho acuerdo no tiene mucho sentido.

Lo que es un hecho es que el siguiente año, si no hay alguna sorpresita desagradable por ahí, estaremos viendo pelearse los Arieles a “El malboro y el cucú”, “Temporada de Patos”, “Puños Rosas” y “Un día sin mexicanos”, cintas que se estrenarán en los siguientes meses.

¿Algún día regresará la gloria y el glamour que caracterizaba la entrega del Ariel?


OBSESIONES EN CORTO

El día de hoy, Columbia Pictures estrena en la cartelera norteamericana “Hellboy”, cinta del cineasta mexicano Guillermo del Toro. La película tuvo un costo de 60 millones de dólares. Teniendo en los roles protagónicos a Ron Perlman, Selma Blair, John Hurt, Doug Jones y Rupert Evans, “Hellboy” es una película de acción y aventuras sobrenaturales basada en la tira cómica de Mike Mignola. *** “Hellboy”, es una de las historietas más bizarras de los últimos tiempos. Para empezar el héroe no es el clásico galancito con superpoderes o el nerd que de pronto se encuentra trepando paredes. “Hellboy” es un demonio en toda la extensión de la palabra. Invocado por los nazis en los últimos suspiros de la Segunda Guerra Mundial, con esperanza de contar con su ayuda, el diablito, mitad humano, mitad demonio, fue encontrado en una iglesia de Inglaterra por los aliados que, tras nombrarlo como Hellboy, lo trasladaron a Nuevo México, lugar donde fue criado y educado como un niño normal y corriente. Después, el chico encausaría sus naturales dotes demoníacos al servicio de la Agencia de Defensa e Investigación Paranormal, desde la cual se dedica a investigar sucesos sobrenaturales por todo el planeta. *** Este reportero hace una pausa en sus obsesiones y anuncia que se va de retiro espiritual a algún rincón del Pacífico mexicano, pero promete regresar el 14 de abril con una dosis corregida y aumentada de delirios cinematográficos.*

Correspondencia con esta viajera columna:

obsesionesmx@yahoo.com.mx