La joven con el arete de perla



Al famoso pintor holandés Johannes Vermeer (1632-1675) se le atribuyen tan sólo 35 pinturas.

Aun considerando su prematura muerte, el número de cuadros es bastante bajo (de 2 a 3 pinturas por año). Esto sumado a lo poco que se conoce de su vida (y menos aún de las modelos utilizadas en sus pinturas), ha convertido a Vermeer en uno de los pintores más enigmáticos de la historia.

La fascinación por Vermeer y en especial por una de sus obras más celebres e intrigantes ("Girl With A Pearl Earing"), inspiraron a la norteamericana Tracy Chevalier a escribir una novela sobre la manera en que fue creada la obra que le da el nombre a esta película. La pintura muestra a una mujer joven, hermosa, con el cabello cubierto, un arete de perla en su oreja izquierda y por sobre todo una mirada extraordinaria que combina sensualidad, temor y picardía.

“La joven con el arete de perla” es un relato de la posible existencia de Griet (Scarlett Johansson, "Lost in Translation", "Ghostworld") una joven de 17 años que vive en Delft en 1665, de padre artesano, pintor de azulejos que ha sufrido un accidente y ha quedado imposibilitado para trabajar.

Griet debe abandonar su tranquila vida familiar calvinista para convertirse en sirvienta en el hogar del reputado pintor Johannes Vermeer (Colin Firth). Su mayor cometido será limpiar el estudio del pintor, además de enfrentarse a innumerables tareas de limpieza y atención de la casa, así como a las caprichosas exigencias de la esposa de Vermeer.

Griet ha llegado a una casa donde la necesidad de mantener una posición económica holgada depende de las ventas y de la producción del gran pintor.

La administración del hogar recae sobre la suegra viuda de Vermeer (Judy Parfitt), quien hace y deshace las ventas, concertando reuniones y cenas para atraer a los mecenas sobre las pinturas. Una mujer fuerte, pragmática y dura, que ejerce un tremendo peso en la vida de todos. La esposa del pintor, caracterizada como mujer nada cultivada en las artes, sentimental y celosa, mirará con malos ojos la presencia de Griet en la casa, así como una de las hijas, que también hará lo imposible para perjudicarla.

Mientras va superando las dificultades en la casa y el reto de atender el estudio del pintor, Griet se irá sumergiendo en la vida adulta, descubrirá el mundo de la pintura, la obra de Vermeer, su modo de entender el arte, la fuerza de los colores, sus mezclas y pigmentos, la luz, la composición, entre otros apasionantes detalles.

Peter Webber nos regala una sucesión de pinturas, usando la cámara como pincel y el celuloide como lienzo.



Los ojos, manos, blanca piel, silencios, respiración alterada y los sobre todo los emotivos pudores del personaje interpretado por la joven actriz Scarlett Johansson, son placidos recursos que Peter Webber utiliza para narrar una historia de mundos que se transforman.

“La joven con el arete de perla” es un relato de descubrimientos artísticos pero sobre todo una historia que habla de la luz de la vida.

Como capas de color aplicadas sobre el lienzo por descubrir, Peter Webber en su debut en la dirección cinematográfica, recupera, adaptando la novela homónima de Tracy Chevalier, la memoria del pintor holandés del siglo XVII, para narrar, con exquisito lujo de detalles de ambientación y en la escritura del guión, una historia de pasiones contenidas, de moralidad católica, agobio económico y creación artística, en un contexto plagado de tensión sexual.

Scarlett Johansson (una joven actriz que desde sus inicios está grabando su nombre con letras de oro en la historia del cine) interpreta a Griet, dulce joven ávida de conocimiento y de experiencias, tan vital e inteligente como temerosa en sus acciones.

Cautivadora y extraña Scarlett, se mueve por la pantalla, por la historia, con una gracia volátil, casi irreal como si no fuera de este mundo. Realiza una actuación demoledora, inquietante, digna de ser recordada en mucho tiempo.

La réplica del personaje interpretado por Scarlett Johansson la da Collin Firth, quien interpreta a un atormentado maestro de pintura obsesionado por la belleza. Firth realiza una sobria interpretación preocupada en todo momento por mantener el equilibrio necesario para que el personaje no desborde la labor actoral.

A la vez de mostrarnos la intensa relación entre pintor y doncella, la cinta retrata una cruel sociedad clasicista en tiempos de bonanza económica para unos pocos y de miseria e incultura para la gran mayoría; los primeros se recrean y cultivan en las artes mientras que los segundos luchan por sobrevivir.

“La joven con el arete de perla” es una obra de arte en todos los renglones.

Desde la correcta ambientación, hasta los maravillosos planos secuencia de Eduardo Serra, la película termina siendo una sensual experiencia para los sentidos.

Nuestra Opinión: @@@@

La Joven con el Arete de Perla
(Girl with a Pearl Earing, Gran Bretaña-Luxemburgo 2003)
Dirección: Peter Webber
Guión: Olivia Hetreed, basado en la novela de Tracy Chevalier
Fotografía: Eduardo Serra
Música: Alexandre Desplat
Con: Colin Firth, Scarlett Johansson, Tom Wilkinson, Judy Parfitt
Duración: 95 minutos
Distribución en México: Cine, Video y Televisión
Clasificación: @ Insoportable, @@ Regular, @@@ Buena, @@@@ Obra Maestra

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El Día Después de Mañana: un helado fin del mundo

Roland Emmerich es grande.

El cuate prácticamente llegó a la cumbre de su carrera haciendo cachitos a Estados Unidos.

Roland Emmerich ha convertido la demolición de símbolos en pilar de una fructífera carrera cinematográfica: desde la destrucción de la Casa Blanca a manos de infames alienígenas en "Día de la Independencia" hasta la imagen de varios corredores de bolsa de Wall Street hechos puré por una gigantesca lagartija en "Godzilla", sus películas siempre encuentran a un hombre común enfrentado a circunstancias que lo superan ampliamente, a las que logra sobrevivir sólo a través de la solidaridad de quienes comparten su predicamento, rescatando siempre los valores intrínsecos de la sociedad norteamericana, que, no importa el cataclismo, siempre eran capaces de indicarnos el camino correcto.

Ahora, gracias a que Estados Unidos no firmó los tratados de Kyoto en pro de la conservación del medio ambiente, nos pasó a llevar la mamá de los puerquitos y ellos, para deleite de todos, se llevaron la peor parte.

En “El Día Después de Mañana”, los hielos perpetuos de los polos se derriten. Nieva en Nueva Delhi, Los Angeles es arrasada por decenas de tornados, mientras en Tokio cae granizo del tamaño de pelotas de béisbol y en Nueva York las olas compiten en altura con los rascacielos. Como efecto paradójico del calentamiento global, el planeta Tierra se asoma a una nueva Edad de Hielo.

Y todo por culpa de la emisión indiscriminada de carbono y la sobreexplotación irresponsable de los recursos naturales, que han puesto a la humanidad al borde del desastre climatológico final.

Estamos ante la que tal vez sea la primera muestra de cine catástrofe con trasfondo ecológico.

Lo bueno de “El día después de mañana” es que tanto desastre global puede ser excitante y hasta divertido, sin dejar de hacer sonar una advertencia y evitando que ésta se vuelva pesadamente admonitoria.

Hay que decirlo, la cinta tiene un guión muy flojo, pero es terriblemente entretenida.

Un científico (Dennis Quaid) advierte de los cambios climáticos que estarían por venir si las naciones industrializadas no bajan sus emisiones de contaminantes a la atmósfera.

Obvio, nadie le hace caso y el vicepresidente de Estados Unidos prácticamente le pide que deje de hacer panchos.

Las cosas para los terrestres se complican porque los cambios climáticos que en teoría tendrían que ocurrir paulatinamente en los próximos 100 años, comienzan a surtir efecto de la noche a la mañana.

Para cuando el necio y terco gobierno norteamericano hace caso a las advertencias, ya es demasiado tarde. La única opción que tienen para sobrevivir es desalojar de inmediato Estados Unidos y pasar a pedir posada a México.

Mientras tanto, el hilo dramático que no funciona (pero eso no es tan importante) no se concentra en las miles de personas que mueren, sino en el viaje que hace Quaid a pie de Filadelfia a Nueva York en busca de su hijo (Jake Gyllenhall) que se encuentra atrapado, historia que nadie se cree porque mientras el padre camina sin congelarse bajo la peor tormenta de la historia, su hijo, a un tris de que el mundo se acabe, sigue titubeando entre cortejar o no a la chica de sus sueños.

Buscar una joya de guión en esta película es pedirle peras al olmo.

Es obvio que al seleccionar esta película, se va con la misma expectativa con la que se visita un parque de diversiones, es decir, por la necesidad de pasar un buen rato lleno de vértigo y adrenalina.

En ese sentido, los efectos especiales de Emmerich y su equipo suministran, generosamente, la esperada inyección de catástrofe que busca el espectador.

Con todo y sus imprecisiones científicas, “El Día Después de Mañana” es una película palomera que cumple con lo que promete y eso, es de agradecerse.

Nuestra Opinión: @@@

El Día Después de Mañana
(The Day After Tomorrow, Estados Unidos 2004)
Dirección: Roland Emmerich
Guión: Roland Emmerich y Jeffrey Nachmanoff, basado en una historia de Roland Emmerich
Fotografía: Ueli Steiger
Música: Harald Kloser
Con: Dennis Quaid, Jake Gyllenhaal, Ian Holm, Emmy Rossum, Sela Ward
Duración: 124 minutos
Distribución en México: 20th Century Fox
Clasificación: @ Insoportable, @@ Regular, @@@ Buena, @@@@ Obra Maestra

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Política y Desastres Naturales en El Día Después de Mañana

Si en "Día de la Independencia" eran extraterrestres los que querían acabar con la humanidad, y después fue "Godzilla" el que lo intentó, ahora Roland Emmerich encontró el arma más mortífera de todas sobre el planeta.

El hombre es el responsable de la catástrofe de "El Día después de Mañana", la última película de este director alemán radicado en Estados Unidos.

"El Día Después de Mañana" aborda la hipótesis de una serie de acontecimientos provocados por el calentamiento climático, que sumergen a la Tierra en un nuevo período glacial.

El calentamiento termina por derretir los glaciares, tras lo cual el agua dulce de los polos, más ligera que el agua salada, forma una cubierta en la superficie de los océanos, lo que impide la circulación de las corrientes térmicas.

Este fenómeno provoca el caos climático alrededor del mundo. Nevadas en la India, granizos del tamaño de una toronja en Tokio, mortíferos tornados múltiples en Los Ángeles, un maremoto en Nueva York. Todo, como antesala a la gran tormenta que marcaría el inicio de una nueva edad de hielo.

Sin menospreciar sus trabajos anteriores, Roland Emmerich afirma a esta columna que "El Día Después de Mañana" ha sido la película que más ha gozado.

"Fueron dos años muy intensos, de mucho trabajo, pero al final valió la pena. Fue muy divertido, en Hollywood creían que estaba haciendo la segunda parte de "Día de la Independencia" o algo por el estilo. Nadie se esperaba que hiciera una cinta con una crítica abierta al gobierno norteamericano".

Roland Emmerich platicó con esta columna durante su estancia en México con motivo de la promoción mundial de "El Día Después de Mañana", película que se estrena este viernes simultáneamente alrededor del mundo.

Emmerich, de trato sencillo y cordial hacia los medios de comunicación mexicanos, espera que su película sea un granito de arena más para que George Bush pierda la reelección presidencial.

Y es que en "El día después de Mañana", Emmerich muestra abiertamente una de las posturas necias y más controvertidas tomadas por Estados Unidos al negarse a firmar tratados internacionales en pro de la conservación del medio ambiente y a la vez esconder información relacionada con el deterioro del equilibrio ecológico.

"Es una posición sin coherencia alguna. El gobierno de Bush por un lado afirma que el calentamiento global no representa una amenaza y por tanto, ellos no son responsables de nada. Sin embargo, las investigaciones que hacen diferentes Secretarías de Estado demuestran en sus resultados una amenaza real y en vez de actuar para revertir el problema hace todo lo posible por mantener la situación en secreto".

El propio gobierno norteamericano le da la razón al cineasta. Hace unos días la Casa Blanca dio la orden a todos los científicos de la NASA de no otorgar entrevistas, opiniones e información relacionada con la película o el cambio climático.

Sin embargo, el director recalca que "no es una película política, pero si sirve de punto de partida para hacer conciencia y criticar, me parece excelente. Antes se hacían muchas películas con fines políticos, pero hoy en día ya casi no se usa".

El filme cuenta con guiños humorísticos muy interesantes, como el hecho de que los estadounidenses intenten cruzar la frontera con México como ilegales, para huir de la catástrofe.

"Es una forma de hacer conciencia en el primer mundo, en cuanto a que los países del tercer mundo pueden ser los salvadores de la humanidad. Es una lástima que los ciudadanos americanos sean tan despectivos con los ilegales mexicanos. No se ponen a pensar que las cosas podrían ser al revés",

El también director de "Stargate" reconoció que tras dirigir "Independence Day" y "Godzilla", no estaba en sus planes volver a tratar el tema de las catástrofes, sin embargo la trama de un libro que llegó a sus manos lo cautivó y decidió poner manos a la obra.

"El libro 'La llegada de la super tormenta global' hablaba de cambios climáticos abruptos y de sus consecuencias políticas, y esto último era lo que quería tratar en principio, mucho más que los efectos especiales", comentó, a la vez que subrayó que los cambios climáticos se producen cada 10 000 años activados por el calentamiento del planeta.

Emmerich se documentó abundantemente para explicar con palabras sencillas cuáles son las consecuencias del calentamiento de la Tierra y si la historia que querían contar era verosímil. Excepto que la tormenta glacial se origina en semanas y en la realidad se puede producir en años, lo demás es bastante factible.

Dentro de tanto drama, Emmerich se dio la libertad de darle un toque de humor a la cinta

Y es que al estar el hemisferio norte bajo el hielo, la gente necesita irse lo más al sur posible para salvarse. Es ahí donde el Presidente de los Estados Unidos pide la evacuación de los estados sureños rumbo a México.

"En Europa partirían a África, pero en Estados Unidos tendrían que ir a México y simplemente imaginé lo que pasaría al lanzarse miles de personas a la frontera, cruzando de ilegales para salvar su vida".

"El Día Después de mañana" es, según Emmerich, "una advertencia, un aviso de lo que nos puede pasar si seguimos maltratando la Tierra. Estamos en un momento crítico, y ha llegado la hora de parar".

"El Día Después de Mañana" es protagonizada por Dennis Quaid, Jake Gyllenhaal, Sela Ward y Emmy Rossum, distribuida por 20th Century Fox se estrenará en México el próximo viernes con 500 copias.

Correspondencia con esta apocalíptica columna:

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Expresión en Corto y su Rally de Cortometrajes

Filmar y editar un cortometraje en 24 horas es un deporte extremo que los participantes difícilmente quisieran repetir.

El año pasado, los organizadores del primer Rally Malayerba vieron rebasadas por mucho sus expectativas.

Recibieron 217 guiones de los cuales eligieron 5.

Esos cinco ganadores tuvieron que conformar su equipo de trabajo integrado por 12 personas. Los actores (un amplio catálogo dispuesto por Malayerba para que los directores seleccionaran a su gusto) en muchos casos tenían que cumplir una doble función dentro del equipo de producción.

Cada uno de los cinco equipos participantes en el Rally tenía 24 horas para filmar su corto en un mínimo de 4 locaciones de la ciudad de Guanajuato (lo que implicaba montar y desmontar equipo), además en ese mismo lapso de tiempo debían de editar y post producir su corto con un mínimo de 35 cortes, con una duración de entre 3 y 5 minutos, incluyendo créditos y por lo menos 3 secuencias musicalizadas.

La marea de emociones y retos a superar de ese primer Rally fue inolvidable.

Los 5 equipos tuvieron que lidiar con varios contratiempos inesperados.

Desde el grupo de fans que estaban a las afueras de un restaurante echándole porras a los actores y que por más que les pedían que guardaran silencio, sus gritos no dejaban filmar la secuencia, hasta los momentos dramáticos experimentados por el staff del Oso Tapia cuando se les cayó el sistema en la isla de edición y tuvieron que reiniciar la máquina, con el dolor de que no habían guardado la edición del corto, por lo que a unas horas de concluir el plazo, tuvieron que empezar la postproducción desde cero.

El Rally Malayerba del Festival Expresión en Corto es un evento único en el mundo.

Por ello, países como Alemania, España, Canadá y la India se han acercado a Sarah Hoch, directora de Expresión en Corto, con la intención de que el Rally se presente en diversos festivales.

Carlos Carrera, Javier Patrón e Ignacio Ortiz, creadores de Malayerba Producciones, han puesto toda la carne al asador en esta segunda edición del Rally, en esta ocasión han conformado un jurado de lujo para la primera etapa del Rally.

El jurado de Guión será integrado por Guillermo Arriaga, Gustavo Montiel y Beatriz Novaro. Ellos tendrán la responsabilidad de seleccionar a los cinco guiones que pasarán a la segunda fase del Rally.

Los valientes afortunados que lleguen a este punto, contarán con un completo equipo para la producción de su corto: Cámara Mini DV (Panasonic), Iluminación (Lowel-Fluotec) y Sonido (Televix) , además de los materiales necesarios para la grabación.

Las islas de edición mini DV estarán en lobby del auditorio del Estado, sede de Expresión en Corto. Los editores de cada equipo contarán con el hardware necesario además de una amplia librería musical.

Los 5 guiones que pasen a la segunda etapa del Rally contendrán por el "Premio del Jurado", integrado por Ignacio Ortíz, Dolores Heredia y Carlos Monsivais; por el "Premio del Público" y por el "Premio Malayerba" (Primero en finalizar).

Este año, la segunda edición del Rally Malayerba estará más interesante, pues los proyectos tendrán que girar alrededor de la temática del Séptimo Festival Internacional de Cine “Expresión en Corto”, relacionada con los 7 pecados capitales (ira, avaricia, envidia, gula, soberbia, lujuria y pereza).

La fecha de recepción de guiones para el Rally Malayerba es el 25 de junio. El 8 de julio se darán a conocer a los ganadores mismos que tendrán que estar presentes para el banderazo de salida el 22 del mismo mes, en la sede de Expresión en Corto. Las bases para participar en el Rally Malayerba se encuentran disponibles en el website de Expresión en Corto.

La segunda edición del Rally Malayerba será apoyada en esta ocasión por MTV, por lo que seguramente quienes no puedan asistir este año a Expresión en Corto podrán seguir de cerca el sufrimiento y la pasión de los concursantes de este loco e inigualable Rally.

OBSESIONES EN CORTO

Además de las lágrimas de cocodrilo del niño Gael, el Festival de Cannes tuvo un saldo favorable para los patos de Fernando Eimbcke. “Temporada de Patos” fue una de las cintas más aplaudidas en la Semana de la Crítica, sección alterna del certamen. *** Guillermo del Toro, Alfonso Cuarón y Alejandro González Iñárritu cerrarón filas entorno al joven cineasta. Mejor aún, “Temporada de Patos” fue comprada por Francia, Suiza y Bélgica. Mientras tanto, en México dos distribuidoras (una de ellas Videocine) siguen deshojando la margarita por ver si la compran o no. Vamos, ganar nueve Mayahueles en Guadalajara y causar sensación en Cannes ¿no es motivo suficiente para distribuir una película? *** Es muy probable que en el segundo semestre del año podamos ver la cinta de Michael Moore ganadora de la Palma de Oro. A Bush poco le importa si "Fahrenheit 9/11" triunfó en Cannes y es distribuida en varios países. No le preocupa que la gente se entere de la manera tan ruin en que ha gobernado su país poniendo de paso en jaque al mundo entero. Mientras no se exhiba en Estados Unidos antes de las elecciones, todo está perfecto. ¿Se saldrá con la suya? *** Hablando de ogros, uno que está que no cree en nadie es "Shrek". Aparte de llevarse la taquilla del fin de semana, la segunda parte de las aventuras de este adorable ogro verde rompió la marca de exhibición en cines en la Unión Americana al programarse en cuatro mil 163 salas. El récord anterior lo tenía "X2: X-Men United" que se exhibió en tres mil 741 cines. En México, "Shrek 2" se estrena el 8 de Junio.*

Correspondencia con esta pecaminosa columna:

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Kill Bill Vol. 2

Quentin Tarantino se ha caracterizado por ser un cineasta controvertido, violento, agresivo, muy explícito, pero también talentoso.

Específicamente, “Perros de reserva” y “Pulp Fiction” significaron un manifiesto para el cine contemporáneo y a la vez una declaración de principios cinematográficos por parte de su realizador.

Con una estética definida y un tipo de narración intensa y a la vez circular, el director se posicionó muy rápidamente de un espacio importante en el rubro de las imágenes en movimiento.

Tras rodar “Jackie Brown” (resaltar unos diálogos francamente exquisitos) en 1997, Tarantino se alejó de la pantalla grande por largos años.

En el 2003, reapareció con "Kill Bill", su nueva propuesta.

Las expectativas eran muchas, pero se cumplieron cabalmente.

En su típico estilo, el cineasta volvía con su agresividad y dinamismo acostumbrado, claro que ahora en un proyecto mucho más ambicioso y a la vez personal.

Para esta segunda parte, Quentin Tarantino se guardó la real sustancia de “Kill Bill”, y por lo mismo (aunque suene extraño), ambos filmes parecen diferentes.

La cinta se filmó como un solo largometraje pero Miramax decidió dividirlas en dos partes (aunque en recientes entrevistas Tarantino ha dicho que pensó dividirla en dos antes de concluir en el rodaje).

Si en "Kill Bill Vol. 1", los refritos de cine oriental, referencias a los samuráis y el anime fueron el centro de atención, en este segundo volumen se da paso al desarrollo más profundo de la temática y a un mayor acercamiento a los personajes.

“Kill Bill Vol. 2”, asume que lo suyo va por el lado narrativo y por ello se advierte que la mano del vociferante realizador se detiene más en la especialidad de la casa: extensos diálogos originales y que apelan a la cultura pop, los que anticipan las explosiones de violencia donde La Novia (Uma Thurman) continúa su implacable camino para llegar hasta el origen de sus males, el despiadado Bill (David Carradine).

Con un perfectamente estilizado comienzo en blanco y negro que retoma la sangrienta boda de la protagonista, la película va respondiendo en fragmentos las dudas que se fueron acumulando en la cinta inicial.

Ahora podemos comprender mejor el meollo de esta revancha sin piedad y deleitarnos con una trama que al final se siente como una trágica historia de amor.

Para encontrar la redención, La Novia debe enfrentar ahora a los tres restantes responsables de su desgracia: Budd (Michael Madsen en el mejor papel de tipo rudo que ha hecho), un decadente texano que trabaja en un night club y vive en una casa rodante en pleno desierto; Elle Driver (Daryl Hannah), la perversa y sensual rubia que vimos como enfermera en la primera parte (los cinéfilos recordarán los fetichismos del excéntrico director Russ Meyer) y, por supuesto, Bill (David Carradine), el poderoso, inteligente e implacable líder que sabe tanto de pistolas como de sabiduría oriental.

Armada con la espada de Hattori Hanzo que la salvó de tantos agravios en la cinta inaugural, podemos ver a La Novia buscando sangre en El Paso, Texas, y en México, acciones intercaladas por un flashback que exhibe su dura preparación física con el sabio, divertido y mortal maestro shaolín Pai Mei (Gordon Liu).

Así los interesados en la acción podrán disfrutar con combates magistralmente coreografiados (el de La Novia con Elle Driver por ejemplo), momentos de violencia a lo Tarantino y una de las escenas más claustrofóbicas que se han visto en los últimos años.

Pero en lo que el cineasta sorprende es en su desarrollo de los personajes y en el retrato de los sentimientos que se esconden detrás de tanto sablazo.

Para el director la humanidad está tras los diálogos y en la película hay muchos, algunos dramáticos y otros divertidos, como la explicación de Bill respecto a Superman (en la misma línea de la conversación de "Pulp Fiction" sobre Francia y los combos de comida rápida, entiéndase, los Mc tríos.).

Uma Thurman vuelve a desplegar sus increíbles dotes físicas en un papel que es todo un reto para cualquier actriz y al cual quedará ligada por mucho tiempo.

Y en otra apuesta tan arriesgada como certera, Tarantino rescata de las cenizas (como lo hiciera con Travolta y Pam Grier en su momento) a David Carradine, quien hay que reconocerlo, está impagable como Bill y a Daryl Hannah, que protagoniza junto a la Thurman un combate entre rubias para el recuerdo.

¿Qué productor hoy en día invertiría su dinero con semejante casting?

Ninguno, a menos que se trate de Tarantino. Lo que habla del poder y de la libertad que ha conseguido este verdadero outsider de la industria para escribir y filmar lo que quiera y con quien quiera.

Nuestra Opinión: @@@@

Kill Bill Vol. 2
(Estados Unidos 2004)
Dirección: Quentin Tarantino
Guión: Quentin Tarantino & Uma Thurman
Con: Uma Thurman, David Carradine, Michael Madsen, Daryl Hannah,
Gordon Liu, Michael Parks, Samuel L. Jackson
Fotografía: Robert Richardson
Música: The RZA y Robert Rodríguez
Duración: 137 minutos
Distribución en México: Buenavista International
Clasificación: @ Insoportable, @@ Regular, @@@ Buena, @@@@ Obra Maestra

Ser y tener: lecciones de vida

“Ser y tener” es un documental que registra el diario acontecer en una escuela de Saint Etienne-Sur-Osson, un pueblo perdido entre las montañas de Francia.

“Ser y tener” no es un documental sobre el estado actual de la enseñanza o un estudio estadístico para conocer si los niños de hoy aprenden o el cómo lo hacen.

Sin embargo, “Ser y tener”, con toda su aplastante sencillez y frescura, dice muchísimo sobre el arte de enseñar y sobre los peligros en los que ha entrado la educación en los últimos años.

Nicolas Philibert (guión, cámara, dirección, montaje) nos traslada hasta un pueblo para retratar una situación que es ejemplo de lo que se hace en muchos pequeños lugares de todo el mundo: una clase única, en la que aprenden al mismo tiempo un grupo de niños de entre 4 y 13 años.

La vida es dura en esa región, parecen decir las primeras imágenes, que registran las faenas de campo, el frío, el viento, la nieve.

A su vez, el maestro es un poco como la naturaleza de la zona: áspero, riguroso, por momentos inflexible, pero siempre pródigo, generoso. Puede parecer a veces demasiado estricto, pero también tiene una infinita paciencia para ocuparse personalmente de todos y cada uno de sus chicos, para ayudarlos a progresar en sus estudios, a resolver sus litigios y hasta acompañarlos en algunos problemas de su vida familiar.

La cámara de Philibert siempre parece estar en el lugar adecuado, a la distancia exacta, nunca demasiado lejos ni demasiado cerca. Con una naturalidad asombrosa, la rutina cotidiana se desarrolla frente a sus ojos. Hay grandes planos generales, en los cuales el entorno tiene la posibilidad de expresarse en toda su magnitud, también hay primeros planos, que descubren los detalles y los gestos más elocuentes de los chicos, aquello que a veces dicen solamente con los ojos.

“Ser y tener” (un título por demás significativo, un infinitivo que le sugiere al espectador la posibilidad de conjugar junto con el film esos verbos) tiene la rara particularidad de ser una película coral, colectiva y al mismo tiempo íntima, personal, producto de la convivencia y filmación de cientos de horas a lo largo de un año con el profesor, los chiquillos y sus familias.

Philibert convierte su filme en una pequeña gran aventura sobre las dificultades de crecer y de aprender, sobre la necesidad de conocer el mundo, sobre el desafío de enfrentarse a la letra escrita, de empuñar un lápiz, de reconocer las formas y los colores, de ensuciarse la cara y las manos con pintura, de descubrir que al seis le sigue el número siete y para los más grandes, que el ingreso a la enseñanza media no tiene por qué significar una tragedia.

Porque de eso trata también “Ser y tener”, del paso del tiempo, de las estaciones, de la llegada de nuevos alumnos al aula y de la despedida de otros.

Con una simple observación, muy bien escogida, Nicolas Philibert hace de lo cotidiano algo tan revelador como perdurable.

Nuestra Opinión: @@@1/2

Ser y tener
(Être et avoir, Francia 2002)
Dirección y guión: Nicolas Philibert
Con: Georges Lopez y los niños Jessie, Jonathan, Guillaume, Laura, Axel, Létitia, Johann, Olivier, Jojo, Alizé, Julien, Nathalie, Marie
Duración: 104 minutos
Distribución en México: Cinemas Nueva Era
Clasificación: @ Insoportable, @@ Regular, @@@ Buena, @@@@ Obra Maestra

Troya

La ciudad de Troya estuvo ubicada en el estrecho de los Dardanelos, el cual une el Mediterráneo con el mar Negro, territorio perteneciente hoy a Turquía.

El lugar fue registrado por el mapa de la historia en el siglo XII A.C., cuando se desató una guerra entre los griegos y los troyanos, durante este conflicto, los griegos pusieron un cerco a la ciudad que duraría diez años (1194-1184 A. C.).

Este hecho bélico se hizo universalmente famoso porque una parte de los acontecimientos fueron narrados en La Iliada, de Homero.

Es por ello que tomar una historia que tiene casi 3 mil años, durante los cuales ha sufrido alteraciones y la realidad ha sido mezclada indisolublemente con la fantasía, para endiosar a personajes como Aquiles, Ulises o Héctor; o simplemente omitir detalles que le quiten espectacularidad, es una apuesta por demás arriesgada.

Wolfgang Petersen se atrevió.

El realizador juntó un elenco estelar encabezado por Brad Pitt, Eric Bana, Orlando Bloom y Peter O’Toole y consiguió un presupuesto millonario para llevar a la pantalla grande una de las guerras más famosas de la literatura y la historia.

Independientemente de las licencias históricas que se tomó el alemán Wolfgang Petersen, la cinta resalta por su intento de convertir el clásico relato de "La Iliada", en una historia mucho más humana y terrenal en la que los héroes sufren, aman y hasta tienen miedo en su obstinado intento por pasar a la inmortalidad.

Más importante que resumir una guerra de diez años en sólo unos cuantos días, el realizador convierte la mítica epopeya en una gesta cruzada por motivaciones mezquinas, que pasan por el amor, el odio, el ego y hasta la venganza. El mejor ejemplo lo dan Aquiles (un fogoso Brad Pitt dispuesto a morir con tal que su nombre resuene en el tiempo), Hector (un siempre correcto Eric Bana) y Paris (Orlando Bloom otra vez blandiendo el arco).

Algo de lo que Petersen estuvo consiente y no dudó en presumir, es el nivel de la producción.

Durante sus 162 minutos, el largometraje se encarga de demostrar una y otra vez la inversión que hay detrás de él.

Los detalles necesarios para recrear el ambiente en que se desarrolla la acción, fueron cuidados minuciosamente. Utilizando el apoyo digital necesario para aumentar la espectacularidad de algunos momentos, como el despliegue de la flota griega cuando inicia su travesía a Troya.

Pero a pesar de toda la parafernalia desplegada, la película tiene sus puntos débiles.

El director nunca se decide si tomar el camino histórico o el mitológico para contar la historia, que muestra constantes increpaciones a los dioses y muchos momentos apegados a la mitología; mezclados con personajes como Agamenon (Brian Cox) que se apegan más a las motivaciones económicas y territoriales que los historiadores han utilizado para justificar el ataque helénico sobre Troya.

Otra cosa que termina siendo un lastre insalvable para Petersen y a mi gusto el defecto más importante, es la falta de emotividad y tensión que tiene la cinta.

Las batallas bien coreografiadas y retratadas adolecen de pasión, de entrega y más si estamos hablando de una de las grandes guerras de todos los tiempos.

Tanto perfeccionismo a la hora de la realización le terminan pasando la cuenta a Petersen, ocasionando que la energía del filme se diluya y desaparezca en el olimpo.

Es palomera, es entretenida, pero para los cinéfilos que exigen algo más que efectos especiales y caras bonitas, la película será insuficiente.

Nuestra Opinión: @@1/2

Troya
(Troy, Gran Bretaña-Malta, 2004)
Dirección: Wolfgang Petersen
Con: Brad Pitt, Eric Bana, Orlando Bloom, Diane Kruger, Peter O'Toole, Brian Cox, Sean Bean
Duración: 163 minutos
Distribución en México: Warner Bros
Clasificación: @ Insoportable, @@ Regular, @@@ Buena, @@@@ Obra Maestra

La Piel del Deseo

El escritor Philip Roth ha retratado en su obra a Estados Unidos en el periodo de posguerra. Tras “American Pastoral” (ganadora del Pulitzer) y “I Married a Communist”, la tercera parte de la llamada Trilogía Americana se desenvuelve justo durante el affaire Monica Lewinsky, que trajo en jaque al presidente Bill Clinton. El novelista judío quería así enmarcar la trama de “The Human Stain” en medio de una nación convulsa y dividida.

Robert Benton, guionista y director de “Kramer contra Kramer”, ha usado el texto de Roth y la adaptación de Nicholas Meyer, para disponer un sólido melodrama que empareja por primera vez a dos de los actores más reputados de Hollywood: Nicole Kidman y Anthony Hopkins.

Hopkins aparta su lado turbio como Hannibal Lecter y dota de vulnerabilidad al atribulado protagonista, un prestigioso profesor de una universidad de Nueva Inglaterra, cuya intachable carrera de treinta y cinco años se viene abajo al proferir insultos racistas a dos alumnos negros.

Expulsado del centro por culpa de lo políticamente correcto, la única esperanza para reconstruir su vida es un amigo novelista (Gary Sinise) y una mujer de la que se enamora sin remisión, a quien recoge en su coche cuando ésta sufre un accidente: Nicole Kidman, que suprime el glamour de sus últimos trabajos para dar vida a una chica afanadora con un pasado traumático.

A ambos les separan barreras sociales y treinta años de edad. Un ex marido celoso con tendencias psicópatas (Ed Harris) vendrá a agravar el tormento de un intelectual cuya existencia se ha basado en la mentira y en la renuncia a su propia identidad: ha aparentado ser un eminente judío, borrando las huellas de sus orígenes en una familia afroamericana.

“The Human Stain” tiene no solo varios logros nada desdeñables en su haber, sino una gran virtud que no resulta fácil de encontrar en el cine de Hollywood de los últimos tiempos: la película crece mucho en su tramo final, consiguiendo atrapar el interés del espectador gracias a algunas secuencias memorables fruto de la manera clásica de rodar de Benton y el estupendo trabajo de sus intérpretes.

En estos tiempos en el que la tendencia suele ser un sinfín de películas con un buen punto de partida y una torpe resolución, no deja de ser estimulante encontrarse con una película que crece según avanza su metraje, pese a todos sus defectos.

Uno tiene la sensación que gran parte de estos logros, destacando la sólida construcción narrativa del relato, tiene que ver con la novela original.

La estructura en dos tiempos, presente y pasado, que descubre capa a capa al complejo ser humano al que dan vida un Anthony Hopkins más sobrio de lo habitual y un descubrimiento, el intenso Wentworth Miller que lo encarna de joven, permite al espectador adentrarse sin prisa, en los hechos que le llevaron a la terrible decisión que tuvo que tomar en su momento y sobre la cual construyó toda su vida.

Sin este armazón sería imposible que el film tuviera la consistencia y la buena factura que posee.
Benton es un realizador que, una vez más, se muestra ágil en lo que tiene que contar. Lo hace con elegancia, solvencia, con todos los elementos del lenguaje empleados bien y acordes con la planificación, la banda sonora y una excelente cinematografía.

Nuestra Opinión: @@@

La piel del deseo
(The Human Stain, Estados Unidos-Alemania-Francia 2003)
Dirección: Robert Benton
Con: Anthony Hopkins, Nicole Kidman, Ed Harris, Gary Sinise, Wentworth Miller, Jacinda Barreto
Duración: 106 minutos
Distribución en México: Twentieth Century Fox
Clasificación: @ Insoportable, @@ Regular, @@@ Buena, @@@@ Obra Maestra

Avalon: cuestionando la realidad

Da coraje que una cinta como la que estamos por platicarles esté pasando de noche en la cartelera mexicana, peor aún, que su distribuidora no se haya puesto las pilas para promoverla a lo grande (8 míseras copias que por el momento solo están repartidas en la ciudad de México) y que incluso ya se esté programando por los sistemas de televisión de paga.

“Avalon” es una extraña, hipnótica, apasionante coproducción nipona-polaca (todos los actores son polacos, está hablada en polaco, aunque el director y los técnicos son japoneses).

El tema: la confusión entre virtualidad y realidad o, si se prefiere, la búsqueda animosa de ésta en un mundo de espejos tecnológicos en los que resulta imposible contemplarse.

En cuanto al tratamiento, está construido sobre un tempo narrativo absorbente, casi hipnótico, exigente para el espectador, por cuanto resulta muy extraño en un producto de estas características.

El filme se desarrolla en un futuro no muy lejano, en el que un juego virtual ilegal llamado Avalon captura el interés de la juventud. Los mejores jugadores, entre los que se encuentra la enigmática Ash (Malgorzata Foremniak), viven del juego, ganando dinero por sus triunfos y luego reinvirtiéndolo en armamento virtual, para continuar jugando.

El juego tiene algunas características que lo diferencian de los demás, convirtiéndolo en peligroso (tal vez la razón por la que el juego es ilegal) ya que algunos jugadores han caído en estado vegetativo cuando sus mentes quedan "atrapadas" en Avalon, sobre todo cuando intentan terminar el legendario nivel "Especial A", el cual, supuestamente, da paso a un nivel oculto que nadie conoce.

Uno de esos humanos en estado vegetativo es Murphy (Jerzy Gudejko), ex-compañero de batalla de Ash, por lo que la joven mujer decide entrar al nivel secreto para tratar de liberar la mente de su amigo. Sin embargo, tal nivel podría ser mucho más real de lo que ella espera

Mamoru Oshii es el maestro de la animación japonesa, creador de obras como “Patlabor” o “Ghost in the Shell”, que destacan por el perfecto manejo de los recursos narrativos del cine y por una visión apocalíptica sobre los avances tecnológicos en la sociedad. Siguiendo esta línea, su primer trabajo de acción real está ambientado en un país indefinido de Europa Central donde los riesgos de un juego de realidad virtual, principal entretenimiento de una juventud desencantada, coexisten con la depresión económica y el colapso social.

La mayor parte del filme está rodado en tonos sepia que ayudan a crear una ambiente decadente y opresivo, a lo que también ayuda el escaso dialogo de la película y la fantástica banda sonora, con música de opera que consigue ponerte los pelos de punta en mas de una ocasión. Determinados elementos poseen más color, como son el perro o los alimentos que cocina, lo cual puede implicar el ámbito de realidad externa al juego que tienen
dichos elementos para Ash.

Las escenas bélicas dentro del juego son soberbias. Oshii contó con la colaboración del ejército de Polonia y consiguieron hacer una trabajo excelente; las escenas con los helicópteros son escalofriantes.

“Avalon” como película es un triunfo para su director Oshii, quien sale bien librado de la narrativa visual, usando símbolos, iconos y atmósferas que causan esa sensación de estar ante una dimensión artificial pero inquietantemente real, de la que curiosamente podemos sacar cuestionamientos metafísicos.

Para aquellos que quedaron boquiabiertos con la ideología y trasfondo de cintas como “Nirvana”, “El Piso 13”, “Abre los ojos”, “Matrix” o “eXistenZ”, “Avalon” es una película obligada.

Nuestra Opinión: @@@@

Avalon
(Japón-Polonia 2001)
Dirección: Mamoru Oshii
Con: Malgorzata Foremniak, Wladyslaw Kowalski, Jerzy Gudejko, Dariusz Biskupski
Duración: 107 minutos
Distribución en México: Arthaus Films
Clasificación: @ Insoportable, @@ Regular, @@@ Buena, @@@@ Obra Maestra

Retratando a la Familia Friedman

Es un hecho que estamos asistiendo en los últimos años a un renacer del género documental con la aparición de impresionantes películas cuyo impacto emocional excede al de la mayoría de los largometrajes de ficción.

¿Exactamente que es “Capturing the Friedmans"?

Es una de las películas más complejas, turbadoras y brutales sobre la destrucción de una familia

"Capturing the Friedmans", ópera prima de Andrew Jarecki, explora un complejo caso judicial de pederastia que pone en duda la efectividad del sistema de justicia norteamericano.

En 1987, los Friedmans vieron cómo su vida acomodada se hundía tristemente en la tragedia cuando el padre y el hijo mayor de la familia fueron acusados de abusar de varios pequeños que acudían al domicilio de los Friedman a tomar clases particulares de computación.

Bajo el retrato caleidoscópico que propone "Capturing the Friedmans" hierven, a su vez, otras tantas y esquivas dimensiones no menos complejas: la doble moral de la sociedad norteamericana, los fundamentos del sistema judicial, la pertinencia de los métodos empleados por la investigación policial, la desintegración de la célula familiar, los autoengaños de la conciencia para sostener la difícil tarea de sobrevivir al desenmascaramiento de la verdad.

Las enfermedades ocultas y las pulsaciones más inquietantes que palpitan bajo las apariencias de una respetable familia de Long Island son el objeto de análisis de unas imágenes que tampoco se conforman con los diagnósticos oficiales.

Andrew Jarecki persigue, obstinado, la escurridiza dimensión de verdades subyacentes que parecen escapársele, una y otra vez, entre fotograma y fotograma.

Interrogar a la esposa del marido encarcelado por violar a los niños a los que daba clase o al hermano del hijo condenado por los mismos delitos no es tarea fácil.

De ahí que las declaraciones de los implicados lleven dentro, con frecuencia, tanta necesidad de exorcizar la verdad como de encubrirla o de embellecerla para poder seguir viviendo con el peso de una memoria que amenaza con aplastar su presente.

El empeño del novel realizador encuentra un cauce fructífero porque dispone de un material inapreciable: las películas caseras grabadas por los propios miembros de la familia Friedman.

Las imágenes filman al padre, a la madre y a los hijos, en su vida cotidiana, antes y después de que saltara el escándalo y de que todos ellos se convirtieran en pasto de otras imágenes sobre las que ya no tendrán ningún tipo de control.

La obsesión de la familia por ponerse en escena a sí misma se convierte en una poderosa palanca que Jarecki utiliza como herramienta lógica para confrontarla con la esquiva realidad contemporánea de los protagonistas.

La turbadora ambigüedad de los testimonios, las evidentes lagunas en la investigación, las contradicciones, el pasado de algunos miembros de la familia, articula un amplio y desolador panorama que permite la posibilidad de analizar y de entender, de interrogarse, de dudar o de permanecer sumido en la perplejidad.

Nuestra Opinión: @@@1/2

Retratando a la Familia Friedman
(Capturing the Friedmans, Estados Unidos 2003)
Dirección: Andrew Jarecki
Con: Arnold Friedman, Elaine Friedman, David Friedman, Seth Friedman, Jesse Friedman, Howard Friedman.
Duración: 107 minutos
Distribución en México: Filmhouse
Clasificación: @ Insoportable, @@ Regular, @@@ Buena, @@@@ Obra Maestra

Van Helsing, cazador de monstruos

El nombre Van Helsing es conocido.

Muchos lo recuerdan personificado por Peter Cushing, Laurence Olivier y Anthony Hopkins en algunas versiones de Drácula (de Terrence Fisher, John Badham y Francis Ford Coppola, respectivamente).

Siempre es un científico más bien anciano, sentencioso y con carácter agrio, enemigo declarado de Drácula.

El Van Helsing de Sommers es mucho más joven y trabaja como agente encubierto para el Vaticano, como un cruzado, un aventurero del siglo XIX con extrañas armas que recuerda tanto a Indiana Jones como a James Bond.

Gabriel Van Helsing (Hugh Jackman) es un hombre maldito con un pasado que no recuerda y una misión que constituye su único propósito en la vida: ha sido enviado a Transilvania para combatir a monstruosas criaturas. Sabe que en ese lugar se hallan los seres más abominables, que, comandados por el temido conde Drácula (Richard Roxburgh), se disponen a adueñarse de las almas de los mortales.

Exiliado, solitario y perseguido a su vez por quienes no comprenden el verdadero significado de su cruzada, Gabriel es un personaje temerario e implacable que encuentra en Transilvania una región que todavía vive en el ayer. Allí, peligrosas criaturas del mal reviven por el poder de un Drácula seductor e invencible.

Fiel a este nuevo espíritu todo terreno, este renovado Van Helsing no sólo se contenta con vérselas con Drácula y sus sensuales novias. El personaje hace frente a toda la galería de monstruos cinematográficos: Frankenstein, hombres lobo y el mismísimo Mister Hyde (aquí convertido en una combinación de Hulk-Shrek).

Van Helsing no está solo en su batalla contra el mal. A su lado está su joven asistente Carl (Q, el creador de las armas de 007, en versión monje-escudero) y la sensual princesa Ana (Kate Beckinsale) última sobreviviente de una familia que ha sido aquejada por una terrible maldición la cual terminará sólo con la muerte del conde Drácula.

El filme se asocia a la larga lista de los clásicos de terror que en las décadas del 30 y del 40 los estudios Universal llevaron con éxito masivo a la pantalla.

Todo en esta nueva producción es tan dinámico como espeluznante: desde la barroca construcción de una Transilvania sombría hasta ese castillo desde el que Drácula maneja a sus criaturas, todo permite revivir aquellas películas que hoy son recuerdos en la memoria de los espectadores.

En los años que pasaron desde aquellas entrañables cintas en blanco y negro, la tecnología cinematográfica avanzó a pasos agigantados.

El director y guionista Stephen Sommers, creador de exitosas muestras del género ("La momia", "La momia regresa"), supo aprovechar los efectos visuales, la digitalización de las imágenes y el paciente trabajo de los maquillistas poniéndolos a disposición de una historia repleta de acción y suspenso.

Un vanguardista producto de entretenimiento del que seguramente Sommers habrá de sacarle jugo en años venideros.

Nuestra Opinión: @@@

Van Helsing
(Estados Unidos 2004)
Dirección y guión: Stephen Sommers
Con: Hugh Jackman, Kate Beckinsale, Richard Roxburgh, David Wenham, Shuler Hensley, Elena Anaya.
Duración: 132 minutos
Distribución en México: UIP
Clasificación: @ Insoportable, @@ Regular, @@@ Buena, @@@@ Obra Maestra.

Panorama de Cine Mexicano 2004

Panorama de Cine Mexicano tiene sus antecedentes hace unos tres años cuando comenzó a celebrarse el ciclo “Guadalajara en México” con la intención de ofrecer una selección de las cintas mexicanas más sobresalientes en la Muestra de Guadalajara. El ciclo se realizaba en la Cineteca Nacional, días después de concluida la Muestra.

Sin embargo, desde el año pasado, este ciclo evolucionó, permitiendo al público tener un contexto más amplio del cine mexicano al acercarlo a las grandes figuras que hicieron historia en nuestra cinematografía, a las cintas y mexicanos que el día de hoy están triunfando y los nuevos valores que están por hacer su primera incursión en el cine.

En la sección “Ayer” de Panorama de Cine Mexicano, encontraremos una retrospectiva a las cintas de Emilio “Indio” Fernández (María Candelaria, Pueblerina, Enamorada, La perla, Bugambilia, Río Escondido, La bienamada, Salón México) y de Dolores del Río en su etapa hollywoodense (Ave del paraíso, Volando a Río, Evangelina, Madame Du Barry, La viuda de Monte Carlo, Jornada de Terror, El fugitivo, El ocaso de los cheyenes y Los hijos de Sánchez) además de la proyección del documental histórico “Eisenstein: fantasía mexicana”, todas ellas copias que pertenecen al acervo fílmico de la Cineteca, una oportunidad histórica de ver a estos figurones del cine nacional en pantalla grande.

La sección “Ayer” será condimentada con la exposición de fotografías, guiones originales (con anotaciones y correcciones) objetos personales y vestuario tanto del Indio Fernández como de Dolores del Río.

También habrá una exhibición de 20 carteles de películas, un adelanto del libro “Una mirada insólita. Temas y géneros del cine mexicano", de Rafael Aviña, exhibición de las carpetas fotográficas de Gabriel Figueroa Flores con imágenes de María Félix y Dolores del Río, junto con dos mesas redondas donde se analizará el trabajo del cineasta y actor mexicano Emilio Indio Fernández.

En “Hoy” podremos ver una muestra de la producción más fresca integrada por 11 películas, entre documentales (Los niños de Morelia, Tierra Caliente, Mi casa es tu casa), óperas primas (Sobreviviente, Un amor silencioso, Las lloronas), porno churros (El Edén y El misterio de los Almendros, ambas del venido a menos Jaime Humberto Hermosillo), cine experimental (Adán y Eva), comedias involuntarias (@festivbercine.ron, de Gabriel Retes) y cine infantil (Magos y gigantes).

La sección “Hoy” estará complementada por una mirada al talento mexicano en el mundo, donde se proyectarán cintas en las que han participado directores, cinefotógrafos, guionistas y actores desde 1999 al 2003. La leyenda del jinete sin cabeza, El espinazo del diablo, Silencio Roto, Bendito Infierno, Promesas, Acorralada, Frida y 21 gramos son los filmes que integran esta retrospectiva.

En “Mañana” se llevará a cabo el Cuarto Encuentro de Realizadores, dividido en cuatro mesas de trabajo: "El documental en México", "Proyectos en proceso de producción" y "Desarrollo de proyectos I y II".

Este Encuentro de Realizadores tiene como objetivo que los creadores del cine nacional se conozcan, intercambien ideas y proporcionen adelantos de sus más recientes proyectos fílmicos. Se espera que sean alrededor de 40 proyectos los que se presenten en esta edición. Películas que están por en diversas etapas de producción.

El Encuentro de Realizadores es un espacio inédito donde los directores generalmente muestran imágenes exclusivas de sus cintas que están en proceso de filmación o en post producción.

Panorama de Cine Mexicano, un evento que sirve para recordar viejas glorias, para medirle el agua a los tamales al cine mexicano y darle un vistazo a nuevas propuestas, se llevará a cabo del 4 al 9 de mayo en la Cineteca Nacional.

Cartelera y horarios pueden ser consultados en el sitio web de la institución http://www.cinetecanacional.net

OBSESIONES EN CORTO

Cuestionado por esta columna sobre el panorama del cine mexicano para el 2004, Alfredo Joskowicz titular del IMCINE dijo que el estado del cine mexicano “es de moderado optimismo”. La expectativa es alcanzar una producción de 35 películas, frente a las 29 de 2003, 14 de 2002 y 21 de 2001. Respecto a los proyectos que están por filmarse se le preguntó si podía mencionar algunos de los más llamativos, sin embargo el funcionario no quiso meterse en camisa de once varas y respondió que eran muchos proyectos y no podía acordarse de todos. ¡Vaya optimismo! *** Quien de plano tiene un panorama gris y deprimente por delante es Alfonso Arau. Dice que por culpa de los malos comentarios vertidos por la prensa, la gente no fue a ver “Zapata, El sueño del Héroe” en su fin de semana de estreno. El viernes, muchas de las 630 salas a nivel nacional donde se exhibe la cinta registraron asistencia de entre 6 y 30 personas en sus primeras funciones, sábado y domingo estuvieron igual de tristes. Crónica de un fracaso anunciado. Señor Arau, la gente quiere apoyar al cine mexicano, pero no gastando su dinero en bodrios que no valen la pena. *** El Festival de Cine de Tribeca inició este sábado con un total de 250 cintas a exhibirse entre largometrajes, cortos y documentales El festival nació tras los atentados del 11 de septiembre de 2001 con la intención de reactivar económicamente el sur de Manhattan y de paso sacar a la gente de su trance de psicosis. El certamen fundando entre otros por Robert De Niro, se ha ganado un espacio importante en los Estados Unidos, en parte por el cariño que la gente siente por Nueva York y por la calidad de cintas que ahí se exhiben. Como en años anteriores, incluirá mesas redondas con líderes de la industria, entre ellos Martin Scorsese y Sharon Stone, además de contar con la presencia de las actrices Glenn Close y Whoopi Goldberg como miembros del jurado. El evento concluye el próximo 9 de mayo.*